Michael Kimmelman of The New York Times reports that "Robert Rauschenberg, the irrepressibly prolific American artist who time and again reshaped art in the 20th century, died on Monday night at his home on Captiva Island, Fla. He was 82.
The cause was heart failure, said Arne Glimcher, chairman of PaceWildenstein, the Manhattan gallery that represents Mr. Rauschenberg.
Mr. Rauschenberg's work gave new meaning to sculpture. "Canyon," for instance, consisted of a stuffed bald eagle attached to a canvas. "Monogram" was a stuffed goat girdled by a tire atop a painted panel. "Bed" entailed a quilt, sheet and pillow, slathered with paint, as if soaked in blood, framed on the wall. All became icons of postwar modernism.
A painter, photographer, printmaker, choreographer, onstage performer, set designer and, in later years, even a composer, Mr. Rauschenberg defied the traditional idea that an artist stick to one medium or style. He pushed, prodded and sometimes reconceived all the mediums in which he worked.
Building on the legacies of Marcel Duchamp, Kurt Schwitters, Joseph Cornell and others, he helped obscure the lines between painting and sculpture, painting and photography, photography and printmaking, sculpture and photography, sculpture and dance, sculpture and technology, technology and performance art -- not to mention between art and life.
Mr. Rauschenberg was also instrumental in pushing American art onward from Abstract Expressionism, the dominant movement when he emerged, during the early 1950s. He became a transformative link between artists like Jackson Pollock and Willem de Kooning and those who came next, artists identified with Pop, Conceptualism, Happenings, Process Art and other new kinds of art in which he played a signal role.
No American artist, Jasper Johns once said, invented more than Mr. Rauschenberg. Mr. Johns, John Cage, Merce Cunningham and Mr. Rauschenberg, without sharing exactly the same point of view, collectively defined this new era of experimentation in American culture."
Brandl: Meeting Joe Fyfe at Felix Lehner’s Casting Foundary
Joe Fyfe painting
Felix Lehner and Hans Josephsohn
I've been meaning to write about this for some time, but kept getting sidetracked by other events. Last summer, I met the very interesting painter and "writer on art" Joe Fyfe.
Unfortunately I was in the throes of completing my three years of learning Latin and preparing for and taking the day-long final examinations, as well as painting for a couple of shows and teaching. Thus, I didn't get more than one real meeting with him, visiting him at the studio where he was staying and having lunch in the restaurant surrounded by the Pipilotti Rist's "Kunst am Bau," a giant red outdoor lounge. I agree with what Joe said, that it is not a metaphor that really attracts me. It was gutsy of the city to pay for and install it (most Kunst am Bau is rather flaccid, decorative geometric nonsense or quasi-event neo-conceptual entertainment novelties). Nevertheless, it doesn't hold together well and is ageing quickly and poorly.
Fyfe was doing a visiting artist/scholar residency at Felix Lehner's wonderful fine art casting foundry, a place I should hype more. St. Gallen, Switzerland is fortunate to have two of the world's best artisans-serving-fine art: Urban Stoob, a famous and remarkable stone lithographer about whom I'll write another time, and Felix Lehner.
In the Sitter river valley, a small yet dramatic drop from the surrounding area, west of the city, an industrial (more formerly than now) area is located. Here, a former textile dyeing factory was converted by Lehner into a foundry. Within 10 years it had international renown. Over a dozen expert artisans assist artists in the production of sculptural works as well as occasionally restoring important historical bronzes. And generally of very large proportions.
Felix Lehner, the founder and boss of the foundry is highly knowledgeable of contemporary art. Furthermore, he is the initiator of the "Sitterwerk" a permanent conglomeration of a handful of buildings forming a private art center (link), including a monographic museum, Schaulager and library. One area is dedicated primarily to Hans Josephsohn, a unique sculptor who you should google. The Sitterwerk and Foundary's website in English is here. The site for the Josephsohn museum, situated in the former boilerhouse, hence called the Kesselhaus, is here.
Fyfe, besides painting his own works, was there to research and rewrite an essay for Art in America on Hans Josephsohn. Fyfe had just returned from an extended stay in Southeast Asia, which he blogged about here.
Joe is, in fact, a fine and inveterate blogger. You can check in on him here, where, under July 18th, he wrote about our meeting.
Fyfe does some highly unique artworks wherein I see shades of Blinky Palermo cavorting with the soul of Matisse. Generally described, he stitches and glues found fabric together, abutting the elements rather than collaging them, and then applies very sparse strokes of paint. Very atmospheric, clear-sighted, elegant and historically aware. His writing is similar. Some bio minutiae: Fyfe was born in NYC in 1952, received his BFA from the University of the Arts in 1976. He has had recent solo shows of his paintings at JG Contemporary in New York City, and at Mai's Gallery in Ho Chi Minh City, Vietnam. He has been in recent shows at Tracy Williams Ltd. and Cheim and Read in NYC, Galerie Pitch in Paris and The Myers School of Art in Akron, Ohio. He has taught at Parsons, VCU, Temple and UT, Knoxville. He has received grants from The Pollock-Krasner and Gottlieb Foundations and he writes for Gay City News, Art in America, Arts AsiaPacific, Art on Paper and Artcritical.com.
A fine interview with Joe and Merlin James titled "This Wonderful Exile of the Artist" was in Modern Painters (no kidding! A painter interviewed in Modern Painters!). It is available on the web here.
A review of Fyfe's paintings by Stephen Maine, originally in Art in America, is available here.
And while we are listing links, Fyfe is represented primarily by JG Contemporary, website here.
I felt an immediate affinity with Joe, and a similarity of perception, strangely enough, as our individual aesthetics are superficially so different. I would have liked to talk longer and repeatedly with him. Well, another time!
A series of four abstract cartoons by artist Mark Staff Brandl, originally made in 2001, in collaboration with Mustafa Kocabeyoglu. Now available on youtube.
Duchamp, Beuys und Warhol – das sind meiner Meinung nach die drei Künstler, die im 20. Jh. in der Kunst den Weg bestimmt haben – oder das meiste angerichtet. Duchamp hat mit seinen ready mades die Möglichkeit zur konzeptuellen Arbeit eingeleitet, Beuys hat mit gesellschaftlichen Utopien experimentiert, die er in einfachen Analogien ausgedrückt hat und Warhol hat den Konsum und das Jetzt zur Kunst erklärt.
Allen Dreien gemein ist die Vorstellung vom Künstler als abgehobener oder besserer Mensch, der in seiner Aussensicht die Gesellschaft verändern kann. Wie bewusst dies durch Duchamp geschehen ist, wage ich manchmal zu bezweifeln; Beuys sah sich sicher in erster Linie in einem weltverbesserndern Zusammenhang, Warhol erklärte gleich das Geschehen an sich zur Kunst – so einfach kann man es sich machen. Alle drei haben auf ihre Art eine Politik der verbrannten Erde betrieben und es durch ihre Arbeit den nachfolgenden Künstlern erschwert zu agieren.
Seit der Moderne sieht sich der Künstler als autonomer Mensch, der aus sich heraus seine Werke produziert. Er ist und bleibt nur sich alleine und seinem Werk Rechenschaft schuldig und vereinnahmt eine Position, die innerhalb einer autoritär strukturierten Gesellschaft, wie wir sie noch Ende des 19 Jh. vorfinden, die einzig mögliche ist: Im Elfenbeinturm kann der Künstler (die Damen vergeben mit bitte, dass ich nicht immer die weibliche Form mitführe) durch seine konsequente Abgrenzung von der Gesellschaft als Avantgardist bestehen und auf die Schwachpunkte aufmerksam machen. Als moderne Kassandra treten Künstler politisch auf und weisen auf widrige Umstände hin – nur, kann das die einzige Motivation für Kunst sein?
Zugleich mit der Autonomie sieht sich der Künstler verstärkt vor Überlebensprobleme gestellt, denn welcher Staat hält sich einen Hof an Kritikern, die immer sogleich zur Stelle sind um über Missstände zu berichten?
Die Künstler werden so zu selbsterklärten Outkasts der Gesellschaft, die unverstanden vor sich hinvegetieren, bis ihre vorausschauende Weltsicht erkannt wird. Sie müssen sich absondern und mit der Vereinzelung der Künstler wird auch ihr Horizont immer individueller. Die entstehenden Kunstwerke haben mehr mit den Personen zu tun, als mit der Zeit, der Gesellschaft oder grossen Utopien. Die Individualisierung führt zu einem Problem der Vermittlung persönlicher Vorstellungen, denn als autonomer Wachtposten wird von Künstlerseite zwar erkannt und thematisiert, das Publikum muss sich seinen Weg zu Erkenntnissen durch die Kunstwerke selber suchen. Mit der Absonderung geht auch eine Abscheu vor der grossen Masse und ihrem ungebildeten Geschmack einher, der erst durch Warhol durchbrochen wird.
So ist es nicht verwunderlich, dass sich in dem Vakuum zwischen Produktion und Rezeption langsam aber sicher eine Blase bildet: Galeristen schwingen sich auf als Retter der Künstler und vermarkten ihre Ideen, Kunstpädagogen vermitteln die Ideen und zanken sich über didaktische Probleme und Kuratoren wittern die Möglichkeit sich über das Unvermögen der Künstler, sich selbst zu vermitteln, zu profilieren.
Erschwerend kommt hinzu, dass wir zwar seit inzwischen mindestens 50 Jahren in Europa demokratische Systeme etabliert haben, dass aber andererseits die Grundgedanken der Demokratie in vielen Fällen noch rudimentär geblieben sind. Es herrscht weniger ein Vertrauen in demokratische Prozesse, denn der blinde Glaube an politische Kasten, die durch ihre Kompetenzen das Leben der Bürger gut steuern können. Die in den letzten Jahren wachsende Abstumpfung der Wähler, der Rückgang von Wahlbeteiligungen zeigen die Resignation von Bürgern, die nicht an das System glauben, gleichermassen aber auch, dass das grundsätzliche Vertrauen und das Bewusstsein der eigenen Möglichkeiten von Mitwirkungen an demokratischen Prozessen auf der Strecke geblieben oder niemals wirklich angekommen ist.
Vielleicht muss man es immer mal wieder betonen, aber Demokratie heisst, seine Macht einem Menschen seines Vertrauens zu übertragen, dem seine Stellung genommen werden kann, sobald er diese Macht missbraucht. Diese Macht wird vom Wähler gegeben im guten Glauben an den Menschen, der sie nutzt. Dies bedeutet Verantwortung und Respekt und das Eintreten für Ideen, die nicht immer konform gehen mit den einfachen Lösungen. Durchgesetzt hat sich vielmehr die Vorstellung, dass es Politiker gibt und Demokratie heisst, zwischen zwei oder mehreren Parteien zu entscheiden – böse ausgedrückt zwischen Pest oder Cholera – mit Demokratie im eigentlichen Sinne hat dies eher weniger zu tun, wenn eine selbsterklärte Gruppe von Menschen um Positionen rangelt.
Gleichzeitig lässt sich dieses Phänomen auch in der Kunst beobachten: Spätestens seit den 80er Jahren wird die Frage nach der Definition von Kunst nicht mehr gern gestellt. Eindeutige Definitionen haben sich im System verloren, werden verleugnet oder als kontraproduktiv abgestempelt. Künstler haben vermehrt begonnen innerhalb des immer und immer wieder ausgeweiteten Systems Arbeiten zu machen, die zwar erproben, was Kunst sein kann. Definitionen zu machen, festzulegen, was geht oder nicht, ist ein grosses Tabu geworden und hat zu der schizophrenen Situation geführt, in der wir uns jetzt befinden: Was Kunst ist bestimmt der Markt, die Eintrittszahlen, oder Kuratoren und Museumsdirektoren. Die Künstler bleiben in diesem Fall aussen vor, dürfen munter ihre Arbeiten machen und können als gesellschaftliche Phänomene dienen, ihre Innovationen sind allerdings nur dann gefragt, wenn sie in marktkonforme, medienpolitische oder kuratorische Konzepte passen oder wenn sie sich im System zu bewegen gelernt haben.
Beuys Konzept von „jeder Mensch ist ein Künstler“, bei dem immer der Nachsatz: „in dem Sinne, dass er etwas gestalten kann.“ vergessen wird, hat mit zu der Kreativbewegung der 90er Jahre beigetragen, deren Folgen wir jeden Tag am Fernsehen beobachten können, wenn hippe Dekorateure in Wohnungen unbedarfter Bürger einfallen und diese zu Wohnungsrenovationen zwingen. So kann dann auch jeder Weihnachtsbazar oder jede angemalte Berggondel mit künstlerischem und kreativem Potenzial werben, während es uns Künstler nicht mehr braucht.
Es sind nicht nur die Anderen Schuld an dieser Entwicklung – auch wir Künstler haben unseren Teil dazu beigetragen und grosse Teile unserer Arbeit dadurch wegrationalisiert, dass wir zu sehr in den Alltag eingebrochen sind oder angefangen haben jedem Menschen sein kreatives Potential vor Augen zu führen.
Wo also ansetzen? Wie weitermachen?
Diese Frage treibt mich um, seit meinem ersten Tag an der Akademie, an dem wir von unserer Professorin empfangen wurden mit den Worten: „Was wollt Ihr eigentlich machen? In der Kunst ist alles gemacht und gedacht worden, was möglich ist. Eigentlich gibt es nichts mehr.“
Resignation ist sicher nicht der kreative Weg – auch wenn dies, ob des offensichtlichen Machtanspruchs des Systems der einfachere Weg zu sein scheint. Einen Augenblick innehalten und genaue Fragen stellen, ist von Nöten. Wir müssen uns wieder auf Qualität besinnen und grundsätzlich zu fragen, wie Kunst sein muss, die nicht nur für den schnellen Augenblick produziert wird, denn gute Kunst ist auch in fünfhundert Jahren noch gute Kunst. Werden wir uns unserer Stellung wirklich bewusst und nutzen wir die Autonomie, die wir uns vor 150 Jahren erkämpft haben, nur so können wir auch anderen Auswege aufzeigen.
Wir Künstler müssen uns darauf besinnen, dass wir es sind, die bestimmen, was Kunst ist. Alles andere ist alles andere. Immer noch.
Vor allem in der Romandie hat ein Referat von Pius Knüsel die Wellen hoch schlagen lassen. Beim Forum für Kultur und Ökonomie stellte er öffentlich laut die Frage, ob die Kulturföderung, wie wir sie heute haben, zu einer satturierten Konsenskultur geführt hat, die kaum mehr Besonderes, dafür aber immer mehr langweiliges Mittelmass hervorbringt. Bedenklich ist, dass diese Behauptungen vom Direktor des grössten Kulturförderers der Schweiz aufgestellt werden, während im Parlament über eine nationale Kulturgesetzgebung nachgedacht wird. Als Information über die Diskussion habe ich einige Links zusammengestellt:
Das Referat von Pius Knüsel kann über diesen Link abgerufen werden:
Das Naserümpfen über Kultur, die nicht gut genug ist, aber trotzdem gefördert wird, erinnert mich in der von Knüsel dargelegten Art und Weise an das alte Sprichwort meiner Grossmutter: "Wenn die Maus voll ist, ist das Mehl bitter." Denn der Grundton des überfeinerten Feinschmeckers, dem nichts wirklich gut genug ist, schwingt unterschwellig mit.
Und doch muss ich Knüsel in manchen Punkten recht geben. Die Qualitätsstandards der Kunst haben sich verloren im unübersichtlichen System "Kunstbetrieb" und sind so vage geworden, dass es schwierig ist den Überblick zu behalten. Kunstkritik ist so gut wie nicht mehr existent oder verzichtet bewusst auf Wertung - auch dies ist ein Zustand, der bedauerlich und angenehm zugleich ist. Nur bringt es nichts, das der Kunst negativ auszulegen. Was Kunst ist, was Standards für Kunst sind, was Qualität von künstlerlischen Arbeiten ausmachen, das sind Fragen, die in allererster Linie uns Kunstschaffende selber betreffen, denn letztendlich sind wir es die diese bestimmen müssen.
Wenn wir es nicht tun, wird das von Anderen übernommen, die nur zu gern das offene Feld für Selbstdarstellungen nutzen. Wer, wenn nicht wir Künstler, weiss, was gute Kunst ist und wie man sie macht? Und, ganz wichtig: Wer, wenn nicht wir Künstler, kann auch in seinem eigenen Atelier über seine eigenen Arbeit und über die Qualität der eigenen Arbeit entscheiden?
Brandl: Introducing a New Art Historical Term --- Feeble Painting
I’d like to introduce a new term for a recent trend in Consensus Correct painting: Feeble Painting.
Actually, I already have been using it for a short while in my Art History classes when describing one current tendency. While discussing this with the Shark, he volunteered to help me delineate it and present it to a wider audience. We debated the idea in depth and here is the elucidation.
Many of us in the artworld have used various related terms, especially fine is Bad At Sports’ Duncan McKenzie’s own “Shitty Drawing.” However, this tendency has expanded out of the realm of bad drawings and crappy installations into paintings largely influenced by both of the aforementioned.
As the Shark aptly describes the paintings we are discussing here, they are by “the we hate paint but we still do it consensus crowd.”
I find Feeble Painting to be a recent concocted form of painting custom-made for the video-and junk-installation-curator crowd, the ones who until recently swore adamantly that painting was dead. Slowly becoming aware that it was not, and that they would have to live with some form of it, such people have latched on to something they can readily understand, a form of painting requiring no concentration and no “eye” whatsoever. One, in fact, in which such abilities would be detrimental. My friend, the late Charles Boetschi, an amazing geometric abstract painter, described this work as that “which is made quickly with one hand while doing what is far more important with the other, cell-phoning an international curator to arrange to do lunch.”
Leaving malice aside for a moment, this Feeble Painting is indeed the logical outgrowth of an art school system that worships deskilling. The attempt to raise Shitty Drawing and garbage installations to a new level. Painting deriving unmistakably from the video art, “anybody-who-buys-a-camera-can-do-it” attitude. Art mistaking “dumbing down” for democratization. It probably traces its ancestry all the way back through a misunderstanding of Picasso’s anti-academic techniques to Gauguin’s Rousseauian rejection of received knowledge. Nevertheless, I place no blame on them, for these older Modernists’ rejections were revolutionary actions, not groveling, as Feeble Painting is.
Feeble Painting is painting which fetishizes its own impotence, its own lack of power, presence and capability. It is the ultimate Late-Modern-Postmodernist misery. The Endgame, necrophilia, nihilism, and self-hatred played out in endless slow-mo loops.
I had to create a term originally simply for the file into which I put the images of such work for my Art History class. At the end of the year when I reach the present, more or less, I cover the end of Modernism around 1979, progressing easily into the first (and then promising) forms of Post-Modernism (then still hyphenated): Feminist Art, Pattern and Decoration, New Image, Neo-Expressionism. Then I segue without difficulty into the short wave of Neo-Everything (Neo-Surrealism, Neo-Romanticism, etc.), the theoretical bombshell of Neo-Geo, which quickly became dominated by its Appropriation wing, then continue into the academizing of that trend into Neo-Conceptual Art, its ascendancy to Consensus Tyrant, the quiet yet solid rebirth of painting through Conceptual Painting into New (Medial) Painting — and then I have a problem. At that point, the artworld is split into warring strains, much as it was in the heyday of Neo-Classicism and Romanticism.
On the “positive side” the New Painting continues to develop in two directions out of its founders (such as David Reed, Jonathan Lasker, Mary Heilmann and others). One, a new painting based in abstraction but incorporating certain new medial concerns, yet one conscious of the importance of painting. The second, a form of (post?-) postmodern painting utilizing certain forms of representation as well as abstraction,. That is not the problem.
The predicament arose over what to call another form of painting which arose, which I suspect was indeed concocted, by the Neo-Conceptual Consensoriat, the PoMo Academy still in power. It saw it had to deal with Its Great Enemy in some fashion, thus sought to arrogate and pervert it into something controllable. A form of painting wallowing in its own insignificance. This was attempted at first with so-called Radical Painting, a form of monochrome, but those artists generally tended to really believe in their discipline. O, heretical lack of insincerity.
Thus the Censensoriat began to engender Anti-Painting Painting. Yet so cumbersome a term is difficult, and suggests work which could be even more moving than what it actually has become: work eschewing all interest, work wallowing self-abnegation, etiolation and even self-hatred, (for career success). In order to show this to my classes, I sought out images of such art, ones wherein the purposeful deskilling of the work reflecting its relationship to the already existent “bad drawing” term, and its fetishized helplessness. I required a new term, as it was painting, not “bad drawing” anymore. I think Feeble Painting as a term fits the bill exactly. In truth, it even is not truly derogatory, rather keenly description.
Who do we mean by this concretely? There are Feeble Painting artists of both the representational and abstract persuasions. Most of those presented in posts below about Consensus Stars are in this school. A quick list of examples would include Peter Doig, Marlene Dumas, Elizabeth Peyton, Caro Niederer, David Chieppo, Karen Kilimnik, Raoul De Keyser, Rodney Graham’s paintings, much of Judy Legerwood, about half of Günther Förg, and others similar.
“Feeble Painting” : a movement of academic, mannerist Neo-Conceptual thought as applied to the making of paintings. One emphasizing a lack of technical ability, fetishizing the medium of painting’s presumed death and insignificance in images of ironic incompetence merged with kitsch. Weak, anti-painting painting.
Th. Emil Homerin Gary Scoles C Hill Gene Colan Roy Lichtenstein Andy Warhol Frank King Gasoline Alley Will Eisner The Spirit Daredevil Dracula Tom Field Secrets in the Shadows Jack Kirby Steve Ditko Earl Brandl Ruth Brandl David Carrier Art in America Universität Zürich The Kirby Collector Comics Interpreter Comic Journal Wesley Kimler Sharkforum Kunstraum Kreuzlingen Krannert Art Museum Damian Duffy John Jennings Contemporary Art Center Peoria William Butler Architrove Gallery Werk2 Gallery Kunstmuseum Thurgau Art Spielgelman Chris Ware Beatles Superman The Flash Reverse Flash
Die Kunst boomt und die Auktionshäuser reiben sich die Hände. Nach der langen Brache darf wieder gehypt werden und die Umstellung der Akademien auf das Bachelor und Master System werden ihren Teil dazu beitragen, einen neuen Akademismus zu manifestieren. Die Entwicklung der Kunst liegt nicht mehr (?) in den Händen der Künstler, die sich viel lieber in das System einfügen und weniger nach Verwirklichung der eigenen Ideen, als viel mehr für einfache Überlebensstrategien arbeiten. So füllen sich die Ausstellungen mit einer neuen Beliebigkeit, die von uns Künstlern mitgetragen wird, wenn wir wie die Pausenclowns auf jeder Ebene mitspielen. Mit Kunst schmückt sich jede Kleinstadt und jedes Unternehmen gern, ohne an Qualität oder Kriterien zu denken, die auch der Kunst dienen würden. Und an jeder Ecke wartet ein hungernder Künstler, der nur zu gerne die Chance ergreift, seine Kunst zu platzieren.
Übertrieben und zu spitz formuliert?
Reiben wir uns die Augen und schauen wir in die Wirklichkeit, denn es sieht nicht rosig aus. Damals (Gott, jetzte töne ich ja schon wie meine eigene Grossmutter!), als sich die Tageszeitungen noch einen kleinen Hof von Kunstkritikern hielten, wurde noch eifrig diskutiert, wurden Kontroversen ausgetragen und man durfte sich auch als Künstler noch verkannt fühlen. Inzwischen bleibt dem erfolglosen Künstler nur noch die Resignation.
Hanno Rauterberg beschreibt in seinem Buch "Und das ist Kunst?" wie die Macht des Marktes sich auf die Kunst ausgewirkt hat und scheut sich nicht schonungslos Kritik zu üben und die Situation so zu analysieren, dass man als Künstler eigentlich lieber aufhören würde zu arbeiten (so man nicht bei einer internationalen Grossgalerie unter Vertrag steht). Rautenberg benennt zehn Irrtümer der Gegenwartskunst, die sich durch diese Entwicklung eingeschlichen haben:
Die Kriterienlosigkeit der Kunst, die angeblich gute Kunst auszeichnet
Die dauernde Suche nach dem Neuen in der Kunst, also der Avantgarde Gedanke
Die Irritation, die von guter Kunst ausgehen muss
Gute Kunst muss wahrhaftig sein
Das Handwerk ist für gute Kunst nicht notwendig
Die Verweigerungshaltung der Kunst
Die Kunst kann Alles sein
Wer gut ist wird verkannt - wer gut ist hat es schwer
Kunst muss um gut zu sein, kritisch sein
Ohne gute Ideen keine gute Kunst
Die Situation erscheint nach dieser Analyse so vertrackt, dass es kaum Auswege zu geben scheint. Rauterberg findet sie beim Konsumenten, dem Betrachter, der sich sein eigenes Qualitätsbewusstsein erarbeiten muss, um dann letztendlich auch auf den Markt wirken kann. Dann kann sich auch ein individuelles Bewusstsein für Bewertung bilden, dass den Betrachter zum mündigen Betrachter machen kann.
Sharkforum OpEd Cartoons and Comics by Steve Hamann and Mark Staff Brandl
Steve Hamann and I will be doing an irregular series of cartoons and short comics on art for Sharkforum. They will primarily be collaborations between us, yet also individual pieces as well. All will be presented here in the future under the rubric Feeding Frenzy Funnies.
The first was actually already featured before the new site organization took place, as we jumped the gun in excited anticipation, in order to lampoon the Dominic Molon Sympathy show. Additionally, I did a handful of cartoons and comics as Sharkforum Funnies and certain illustrations in the past. The last several of which were also collaborations with Steve, a truly talented cartoonist and painter. However, in the future look for them under our new title.
A new one on the Consensus Academy will appear shortly, but first I want to give a quick reminder of a likeminded soul in art history's past: Ad Reinhardt.
Actually, Reinhardt is not the inspiration for our work, as both Steve and I truly came to comics out of comics. We individually grew up with, appreciated and even published comics and cartoons before we each became "fine" artists. Yet Ad can serve as an excellent Patron Art Saint to our project.
Ad Reinhardt, originally an Abstract Expressionist Painter, is an artist whose work became progressively reductivist and mystical. He is best known for his all black paintings of the 1960s. Yet Reinhardt was also a prolific illustrator, designer and cartoonist. His cartoons expound many of his artistic doctrines in a livid, yet delightfully amusing fashion. This is one of them titled "How to Look at an Artist." Several others can be found on the web, although the central website repository for them at silversteingallery.com is apparently temporary gone, due to redesign. Use Google Image Search and you can still find several of the works on this website indirectly until they make an organized reappearance. Click on this image for a much larger pop up that you can navigate with your arrow keys.
More Reinhardt cartoons should be here, and may soon reappear: http://www.silversteingallery.com/Pop_Ad.html
However, by way of the WayBackMachine (http://web.archive.org/; a GREAT resourch, by the way), I found these images still on the web, but hidden:
Die Filmindustrie hat es schon lange entdeckt. Was fürs Kino geschnitten und gekürzt wurde, darf für die DVD wieder grosszügig ausgebaut und breit gewalzt werden. Auf den Scheiben finden sich im Bonusmaterial deshalb ursprünglich weggelassene, ja sogar verpatzte Szenen. Ein Making-of und Interviews mit allen Beteiligten dürfen nicht fehlen. Manch ein Film erobert sogar als Langfassung unter dem Label Director's Cut noch einmal sein Publikum – digital restauriert und mit frisch abgemischter Dolby-Tonspur, versteht sich.
Das Rezept soll nun auch für das Buch Schule machen. Klassiker werden in bekömmliches Deutsch übersetzt und kommen in gekürzten Kompaktausgaben auf den Markt. Gleichzeitig werden die Stoffe massentauglich fürs Kino adaptiert: Mme Bovary jagt Dr. Mabuse. – Don Quichotte III: Mission Impossible. – Asterix und Matrix erobern CD-Rom. Im Medienverbund erscheinen zeitgleich Hörbuch, Computerspiel und Handy-Klingelton sowie Merchandisingartikel in Form von interaktiven Einlegesohlen, bebilderten Klobrillen oder einem Bettanzug mit Zitaten, die im Dunkeln leuchten. Die Internet-Generation kann sich die Hauptfiguren als Avatare für Second Life oder World of Warcraft herunterladen. Und für die ganz grossen Fans gibt es alles zusammen als De-Luxe-Edition in der dekorativen Sammelbox. Kurz bevor der Hype abflaut, kommt wieder das Buch ins Spiel. Weil die Geschichten dermassen fesseln, wollen die Massen mehr von dem guten Stoff. Als Erstes kaufen sie sich die ungekürzte Buchausgabe in einer Neuauflage mit Bildern aus dem Film. Auf die erweiterte Fassung folgen dann wissenschaftlich edierte, aufwändig illustrierte und biografisch kommentierte Spezialausgaben. In den Archiven werden Tagebuchaufzeichnungen, verschollene Briefwechsel, erste Entwürfe und ungekürzte Originalmanuskripte ausgegraben, damit die gefrässige Leserschaft auch in den Genuss jener Passagen kommt, die der Überarbeitung oder einem launischen Lektorat zum Opfer gefallen sind. Inzwischen füllen die zahlreichen Versionen bereits ganze Regale und erreichen als gigantisches Leseförderprojekt im Medienkoffer schliesslich die Schule. Natürlich muss jetzt PISA umgeschrieben und neu verfilmt werden ...
Meszmer/Müller Radio-Interview with Brandl and El Farra
Radio-Interview mit Alex Meszmer und Reto Müller von Zeitgarten. Interview in Englisch auf US Kunst-Podcast-Sender Bad At Sports.
The Central European Bureau, “EuroShark” Mark Staff Brandl and his new partner Lamis El Farra interview Alex Meszmer of the art team Meszmer/Müller.
Meszmer discusses the exhibition they curated at Projektraum Exex titled “Deconstructing Eden – Fragments of a Perfect Life,” their transitory museum-in-progress called Zeitgarten, the Swiss professional artists’ organization Visarte, and the new group of highly active “alternative” art spaces in Switzerland united under the rubric “Off-Off.”
Terri and Joanna give their book review of Eeee Eee Eeeee by Tao Lin . The “shitty drawing of novels.”
James Kalm is privileged to bring viewers a brief overview of this astounding sculptural retrospective of Martin Puryear. The works in this exhibition represent over thirty years of developments and trace the arc of Puryear's stylistic advances from their Post-Minimalist beginnings to his unique place in contemporary sculpture. With his sensitive use of natural woods and simple hand tools Puryear has reinstated the importance of humanistic content within Modernism. Featuring abbreviated remarks by Museum of Modern Art Director Glenn D. Lowery.
Der Bundesrat hat im letzten Jahr einen Vorschlag für das neue Kulturförderungs- und Pro Helvetia Gesetz an das Parlament weitergereicht. In seiner jetzigen Form ist das Gesetz für uns Kunstschaffende absolut indiskutabel. Weihnachtszeit und Jahreswechsel ist Wunschzeit – auch für uns Kunstschaffende – und so schreiben auch wir unseren Wunschzettel für das Christkind, das neue Jahr und das neue Parlament nieder:
Wir Künstler wünschen uns, die Verbesserung der sozialen Sicherheit von Kulturschaffenden.
Wir wünschen uns, dass wir, mit unseren Organisationen bei der Ausgestaltung der konkreten Kultur- und Förderpolitik miteinbezogen und bei wichtigen Gesetzeserlassen, die auch die Kultur betreffen, angehört werden.
Wir wünschen uns die Beibehaltung der Werkförderung auf nationaler Ebene und die Sicherung der grösstmöglichen Autonomie der Pro Helvetiagegenüber dem Bundesamt für Kultur.
Wir wünschen uns eine repräsentative Zusammensetzung der Fachgremien und des Stiftungsrates von Pro Helvetia.
Wir wünschen uns die aktive Sicherung der Kunstfreiheit in der Schweiz durch eine vorausschauende und zeitgemässe Kulturförderungspolitik.
Und wir wünschen uns die Einführung des Folgerechtes und der Bibliothekstantiemen im Rahmen des Kulturförderungsgesetzes.
Schauspieler, Fotografen, Autoren, Tänzer, Sänger und andere mehr, sind genauso betroffen wie wir bildenden Künstler und wünschen sich von der Politik eine aktive Unterstützung ihrer Arbeit. In seiner jetzigen Form degradiert das Gesetz Kulturschaffende zu regionalen Amateuren und schränkt die Möglichkeiten der Berufsausübung ein– wie kann das sein in der Kulturnation Schweiz?
The Basel Miami Fair(s) covered from head to toe by Joanne Mattera. Almost all of ‘em. Mattera, a painter, does an excellent job. Check out her comments and images. at the Joanne Mattera Art Blog.
Her blog is a multipart report, one post per venue plus the prologue. The entries are posted sequentially, and as Joanna says, “There is a narrative to my reporting, so I hope you'll follow it through to the end.”
“By all accounts the mood going into Miami was wary. Dealers in general were fearful that the bubble was about to burst, and the smaller dealers were concerned that the greater number of satellite fairs this year would dilute their sales. Apparently the big guns had no problems; Gagosian sold $10 million worth of art, according to Bloomberg News. Among the smaller galleries in the satellite fairs, the mood lifted as sales began to rack up. Many smaller galleries sold out, and most at least broke even. The mood going out was simply weary.” Continue reading here.
mit arbeiten von Christian Falsnaes und Bella Angora, Catalin Dorian Florescu,Heinrich Gartentor, Hina & Maetti, Interpixel, Aurelio Kopainig, Maurice Maggi,Isabel Rohner, Doris Schmid, Ulrike Shepherd, steffenschöni, Olga Titus, We Came in Peace und einer soundinstallation von Nicolas Bonstein/Sympholog
Eröffnung mit einer Einführung von Alex Meszmer 6. Dezember 2007, ab 19 uhr
«DECONSTRUCTING EDEN» nimmt eine altertümliche annahme, dass der garten eden nach dem sündenfall zerbarst und sich in alle winde verstreute, zum anlass, vorstellungen des idealen lebens, die entfremdete beziehung von mensch und natur und den einfluss der kultur zu erforschen.
die sehnsucht nach dem ursprung, dem unschuldigen und den utopien ist beweggrund für viele fachgebiete in details einzutauchen und diesen zustand zu untersuchen, sein verlorengehen zu ergründen und an rekonstruktionen zu basteln. die naturwissenschaft sucht die dinge zu ergründen und zu erklären, die literatur verführt uns mit entzückenden berichten aus arkadien, die philosophie versucht die diskrepanz zwischen natur und kultur zu überbrücken, die esoterik entführt uns nach atlantis, die kunst hält uns den spiegel unserer träume und vergehen vor und ab und an finden sich in kleinen, geschaffenen welten partikel paradiesischer perfektion.
das paradies ist synonym für viele dinge geworden: palmenstrände am meer, naturschutzreservate, aussteiger-kommunen, das ferienhaus in italien ... der kleinste gemeinsame nenner ist der private garten: angelegt als ausdruck persönlicher vorlieben, entführt er uns in geheime ideen einzelner, die sich ihr kleines glück dem öffentlichen leben abringen. solitäre naturerfahrungen von einzelgängern bescheren uns erhabene naturerlebnisse durch fernsehen oder bildbände, die uns in mythische gefilde abgleiten lassen.
für die ausstellung «DECONSTRUCTING EDEN» verwandelt sich der projektraum exex in ein grosses wohnzimmer mit sofas, sesseln und mit fernsehern, die einen einblick in arbeiten von christian falsnaes und bella angora, catalin dorian florescu, heinrich gartentor, interpixel, aurelio kopainig, maurice maggi, isabel rohner, doris schmid, ulrike shepherd, steffenschöni, symphologic, olga titus und we came in peace geben. nicolas bonstein/symphologic entwickelt für den raum eine soundinstallation.
projektleitung alex meszmer und reto müller weitere informationen unter http://www.visarteost.ch
A Short Guide to the Consensus Curator Career Ladder; or Why All Shows Look the Same
It’s in the system, baby. You get that for which rewards are given. Here’s how it works, in list form.
1. If you are a curator in an out-of-the-way place, or at least want to climb the social ladder as a curator...
2. You have to memorize who is in the Very Important Shows by Very Important Curators, usually of the jet-setting, shoulder-satchel variety (curators who hold positions in several museums, anybody who helps with Documenta or the Venice Biennale, the Whitney, Migros Museum in Switzerland, The White Cube in London, etc.)...
3. Show exactly the same artists they do whenever as often as possible (Rhoades, Kilimnik, Tiravanija, etc.)...
4. Solos shows are great, but big group shows with the top o’ the pops consensus artists are better, because you get more “connections” for your buck...
5. Best of all, in a group show YOU originate ...
6. With other venues (then you get their help, you ensure a wider “global” effect and they owe you one)...
7. Make a catalogue with an essay by you (especially if you write so poorly that no real magazine or journal will publish you) ... and with as many other essays by other curators who you want to either impress or have them owe you favor (so they will put you in one of THEIR catalogues)...
8. That way the cost is split, too, among all the venues, you have a captured audience in the form of a guaranteed amount of sales of the catalogue to the venues (and with some luck to some public) thus getting a better publishing house and making a vanity publication appear quasi-genuine...
9. Most of the artists will thereby also come from a handful of Super Galleries (Gagosian, Hauser and Wirth, etc.), who have tons of money, and will give extra money privately for an new installation or custom video work or special catalogue piece or insurance, etc., by their artist(s)...
10. Then you also get to hang out with all the Big Consensus Curators and Gallerists at closed VIP dinners and super private pre-openings and so on ...
11. And they all owe you one ...
12. At these events and in the press you MUST be certain, though, to spout ALL the Accepted Truisms of the moment (ineptness is the true sincerity, Sonic Youth are your favorite music group, art has ended and it is all just nihilistic endgame now, Marcel speaks ex cathedra, tee-hee irony is philosophical, etc.)
13. Do NOT, repeat do NOT, ever openly question ANY consensus-accepted “truth”...
14. Never feature lesser known local artists, as it only helps the artists and art and actually hurts your curatorial career, as you appear to be to “provincial” and knowledgeable outside the prescribed borders, a potential danger to the Consensus ...
15. Never “discover” any artists as that will simply help THEM and while THEY will owe you one, the Powers That Be will NOT, thus they will look down on you ...
16. UNLESS you can find someone SO derivative of some accepted Consensus paradigm that they appear almost invisible or inevitable --- a limp, too much terp painter al la Peyton, a kitsch painter a la Currin, a junk-installer a la well-everybody, etc. --- a carbon copy, which proves to the Big Shots that you have appropriately memorized the rules ...
17. This discovering you indeed DO actually do every so often, but not very often, just to nail down proof of your group-think-commitment, and because the copyist artist then owes you ...
18. Do all this and you’ll eventually win a prize as a curator from other Consensus curators, thus getting you a better job in a better city, climbing the ladder one step at a time, maybe even a shot at Documenta, etc. ...
Any curator buying fully into the system must follow all these rules. Those not doing so are a gift from God and have a difficult life. THIS is why all shows look the same, have the same artists in them, from the same galleries. The structure of the situation allows naught else, or the curator will be at best mildly tolerated, perhaps even ignored by the Big Fellas. Celebrate it when you find it, but don’t expect courage. If you want a break from academic mannerism, then this locked-down arrangement must be broken open through criticism.
Gründungsakt und Eröffnungsveranstaltung Transitorisches Museum zu Pfyn
Das Transitorische Museum zu Pfyn ist ein Projekt von zeitgarten.ch – einer Initiative der beiden Künstler Reto Müller und Alex Meszmer. Seit dem Frühjahr 2006 erforscht zeitgarten.ch Geschichte und Geschichten von Pfyn und sammelt und archiviert Texte, Fotos, Bilder und Gegenstände, macht Interviews mit Zeitzeugen und initiiert Veranstaltungen. zeitgarten.ch arbeitet mit Institutionen aus der Gemeinde (Primarschule, Alterssiedlung, Gemeinde), des Kantons (Amt für Archäologie TG, Staatsarchiv TG, Frauenarchiv TG) und mit Experten und Künstlern aus der Schweiz und Deutschland zusammen.
Transitorisch bedeutet temporär/für den Übergang/für eine gewisse Zeit und das Transitorische Museum zu Pfyn ist ein Projekt, das als wiederkehrendes Label für die Arbeit der Künstler Meszmer & Müller auf den Gebieten Sammlung und Archivierung, Geschichte und Geschichten, Natur und Kultur und Zeit steht.
Der Gründungsakt findet am 5. Oktober in der Trotte Pfyn mit einem weiblichen Triumvirat statt: Frau Gemeindeammann Jacqueline Müller, Nationalrätin Brigitte Häberli sprechen Grussworte und Dorothee Messmer, Kuratorin des Kunstmuseum TG hält die Laudatio. Timotheus Schläpfer und Vera Kardos, Zürich umrahmen den Abend musikalisch.
Am Samstag 6. Oktober und Sonntag 7.Oktober findet ab 11 Uhr in der Trotte Pfyn ein Veranstaltungsprogramm mit Performances, Lesungen, Vorträgen, Aktionen, Filmen und Musik statt. Die Mitwirkenden sind: Karin Bühler, Künstlerin, St Gallen, Füürwehrchörli, Pfyn, Hannes Geisser, Naturmuseum, Frauenfeld, Wulf Hein, Archeotechniker, Dorn-Assenheim, Les Tsiganes, Musik, Pfyn, Urs Leuzinger, Amt für ArchäologieTG, Frauenfeld, Bea Pfändler, Pfyn, Isabel Rohner, Künstlerin, Zürich, André Salathé, Staatsarchiv TG, Frauenfeld, Olga Titus, Künstlerin, Zürich, Peter Trachsel, Künstler, Küblis, Kathrin Zellweger, TG Frauenarchiv, Weinfelden/Frauenfeld.
Für Speis und Trank sorgt Gaggias Gourmet Factory. Eintritt: Freitag frei, Samstag und Sonntag je 5 SFr Unkostenbeitrag
Das Transitorische Museum zu Pfyn wird unterstützt durch: Kulturstiftung des Kantons Thurgau, Gemeinde Pfyn, Jubiläumsfond der Thurgauer Kantonalbank, Dr.-Heinrich-Mezger-Stiftung, Thurgauische Kulturstiftung Ottoberg Weitere Informationen unter: www.zeitgarten.ch www.museumpfyn.ch
H.R. Fricker: PLACE OF PLACES - SCHILDER FÜR WOHNRÄUME
Der international bekannte Schweizer Künstler H.R. Fricker hat mit placeofplaces.com ein neues Projekt lanciert, das von seiner jahrzehntelangen Erfahrung in den weltweiten Kunstnetzwerken profitiert und den zahlreichen Internetprojekten, die versuchen konzeptuelle Kunst über die digitalen Netze zu vertreiben, vielschichtige Varianten hinzugefügt.
placeofplaces.com - Schilder für Wohnräume - funktioniert denkbar einfach. Fricker schreibt auf seiner Homepage: «ich verkaufe emaillierte 30 x 30 cm grosse metallschilder und dokumentiere die standorte mittels zugesandter fotos.» Die Schilder basieren auf der inzwischen in vielerlei Zusammenhängen gezeigten und installierten Serie der ORTE-Schilder.
Für placeofplaces.com entwickelt Fricker die Serie weiter und bringt sie in den Zusammenhang von privaten Räumen. Erhältlich sind in Englisch und Deutsch 16 Schilder: ORT DER AHNUNG, ORT DER ANGST, ORT DER FRAU, ORT DER ILLUSION, ORT DER IRONIE, ORT DER KRISE, ORT DER KRITIK, ORT DER LIEBE, ORT DER LIST, ORT DER LUST, ORT DER LÜGE, ORT DER NÄHE, ORT DER SKEPSIS, ORT DER VISION, ORT DER WELT und ORT DER WUT.
Hatte Fricker die Schilder früher vor allem im öffentlichen Innen- und Aussenraum installiert, ist die neue Serie explizit auf ihre Verwendung im privaten Raum abgestimmt. Der besondere Reiz des Projektes liegt im Konzept: Mit dem Verkauf der einzelnen Schilder löst sich die Arbeit Stück für Stück auf und verschwindet aus der Öffentlichkeit des Internets, um dezentral in den privaten Zusammenhängen der jeweiligen Wohnräume wieder aufzutauchen. Die Schilder fügen sich in die neuen Kontexte nicht immer nahtlos ein, sondern vermögen diese zu erschüttern und nachhaltig in Gefahr zu bringen, indem die Benennung neue Denk- und Empfindungsräume definiert.
Mit dem Kauf eines Schildes auf placeofplaces.com ist man nun jederzeit mit dabei und kann seine Wohnräume im Handumdrehen in Satelliten des Projektes verwandeln und wird damit Teil des wachsenden placeofplaces-Netzwerks.
Jens Hoffmann hat das letztes Mal in seiner Zeichnung oben diese Idee vorgeschlagen. Er hat immer noch recht. Documenta, wie es jetzt aussieht, solltest aufhören, einen oder eine Nicht-Consens-Curator-In finden, und/oder einen oder eine Künstler-In (Nicht Consensus Typus) als Leiter anstellen.
Proteus Gowanus invites you to the opening reception for the yearlong interdisciplinary exhibit
“Play”
Friday, September 14, 6:00 – 9:00 p.m.
“You shall not bite, or not bite hard, your brother’s ear.” Johan Huizinga, Homo Ludens, (1944)
It is with great excitement that we launch our 2007/2008 interdisciplinary theme “Play” at Proteus Gowanus. This year we will explore the versatile meanings of “Play,” investigating its history and future as the bedrock of culture; its regenerative power as the creative basis of every discipline and as the spark that ignites the child’s imagination; and its darker role in our entertainment-obsessed culture. The exhibit will include an array of play-related art, artifacts, objects, books and events (Check our website www.proteusgowanus.com for details), and will unfold over the course of the year generated by suggestions of visitors to the gallery, a growing number of “PG Correspondents,” and by the rich interdisciplinary resources of nine collaborating non-profit organizations.
We introduce the year with the Play Book, not a catalog, but a book to be played with - a loose compilation of artist-designed games, play-related text and images, including pages of anagrams and palindromes, ponderings on the meaning of play, conundrums by Lewis Carroll, and a short play by Gertrude Stein. A description and pre-publication subscription offer is available on our website. The Play Book is the first of a series of publications called Proteotypes that grow out of Proteus Gowanus programs.
Proteus Gowanus is also pleased to announce: Two new permanent installations of an archival nature have joined The Museum of Matches, A Cold War Room in the space adjacent to Proteus Gowanus: The Reanimation Library www.reanimationlibrary.org, an independent library serving artists, writers and cultural archeologists; and Anonima, an archive of art, books and ephemera from a 1960’s artist collaborative.
The Play exhibit and programs will be co-curated by Maddy Rosenberg and PG Co-Founder/Director Sasha Chavchavadze.
Play Correspondents include: artist/animator Pahl Hluchan; artist/filmmaker Jeanne Liotta; Brooklyn Museum Librarian/Curator of Books Deirdre Lawrence; toy designer/historian/educator Karen Hewitt; and author/video game expert Heather Chaplin.
Play Participants include: Rosaire Appel, Gerard Barbot, The Brooklyn Museum Library, Cabinet Magazine, Ted Chafee, Heather Chaplin, Chris Cogburn, Donn Davis, Susan Dunkerley, Joanna Ebenstein, The Gowanus Dredgers Canoe Club, Marty Greenbaum, Melissa Henley, Karen Hewitt, The Kentler International Drawing Space Satellite Flatfile of Contemporary Prints, Halona Hilbertz , Pahl Hluchan, Sharon Horvath, Leslie Kerby, Jenni Knight, Tom La Farge, Jeanne Liotta, Desi Minchillo, David Moore/Bing and Ruth, Place in History, Shervone Neckles, Debra Pearlman, Alan Rosner, Lance Rutledge, Sally Sturman, The Institute For Figuring, Dan Torop, Ugly Duckling Presse, Paulus Van Horne, Vertical Player Repertory, Wendy Walker, Jane Zweibel, 99 Hooker.
The Artistsbook in the exhibition: Eileen Arnow-Levine, Carol Barton, Mindy Belloff, Doug Beube, Mark Staff Brandl, Stephanie Brody-Lederman, Catya Plate, Libby Clarke, Lucinda Cobley, Beatrice Coron, Maureen Cummins, Sandra C. Fernandez, Anne Gilman, Geoff Green, Martha Hayden, Bob Heman, Susan Hensel, Kumi Korf, David Lantow, Andre Lee, Jill Mckeown, Veronica Morgan, Florence Neal, Heidi Neilson, Susan Newmark, Sarah Nicholls, Donna Maria deCreeft, Amee Pollack Laurie Spitz, Purgatory Pie Press - Dikko Faust and Esther Smith, Evelyn Eller, Maddy Rosenberg, Susan Rotolo, Elsie Sampson, Miriam Schaer, Susan Share, Shirley Sharoff, Carolyn Shattuck, Robbin Ami Silverberg, Karina Aguilera Skvirsky, Micki Watanabe Spiller, April Vollmer, Debra Weier.
Proteus Gowanus 543 Union Street @ Nevins Street Gate Brooklyn, NY 11215 www.proteusgowanus.com info@proteusgowanus.com 718-243-1572
EAST SIDE: DER OST LEBT!
Swiss Art Sharkforum is an art blog based in eastern Switzerland. It is inspired by, linked to, and a sub-development of Sharkforum.org. Our intention is to draw attention to the exciting Swiss artworld, while stimulating open, critical discussion of art and art issues, something Switzerland sorely lacks. Join in!
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